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je n'avais pas fait attention : o la la le jury du festival : pas un à sauver

sokol a écrit : ↑mar. 12 mai 2026 16:09 je n'avais pas fait attention : o la la le jury du festival : pas un à sauver

Selon la règle, ça peut signifier un très bon palmarès du coup

sokol a écrit : ↑mar. 12 mai 2026 16:09 je n'avais pas fait attention : o la la le jury du festival : pas un à sauver

J’ai appris que Demi Moore était dans le jury avec sa sortie sur l’IA.

Si les autres membres sont de cet acabit (Chloe « Marvel » Zhao je la vois bien penser pareil), effectivement ça risque pas de voler haut…

Et la cérémonie d’ouverture : de loin, la pire que j’aie jamais vue

Tamponn Destartinn a écrit : ↑mar. 12 mai 2026 19:07

Selon la règle, ça peut signifier un très bon palmarès du coup

Quasiment impossible ! Les trois quarts des films en compétition ne me donnent aucune envie. Et puis, quand il y a eu de beaux palmarès, il y avait au moins une personnalité forte. Sauf si Park Chan-wook crée la surprise, on ne sait jamais, effectivement. Mais je ne crois vraiment pas trop

Un fantome utile - Ratchapoom Boonbunchachoke - 2025

Un des axes d'analyses pertinents pour tout film d'épouvante est : qu'y représente la figure du mal, ou "que symbolise-t-elle ?". La question est plus intéressante encore quand il s'agit d'un film de fantôme ou de "hantise", permettant de lire la question de la possession au premier degré : qui (ou quoi) possède qui (ou quoi) ; qui est possédé par qui. C'est sans doute ainsi qu'il faut lire cette histoire d'amour entre un humain et un aspirateur, hanté par le fantôme d'un ouvrier mort à l'usine. Plus intéressant encore, alors que l'histoire commence de la sorte, elle laisse finalement une place centrale à une autre histoire qui s'y enchâsse, celle des patrons de la dite-usine, également aux prises avec une histoire d'amour et d'aspirateur hanté. De la sorte, la première histoire est hanté par la seconde. Le film semble donc nous dire que le rêve des ouvriers est "possédé" par leurs patrons, s'ouvrant de la sorte à une lutte des classes (faisant un clin d’œil à la lutte décolonial) dont la figure du fantôme se drape d'une dimension politique et résistante. Boonbunchachoke construit tout son film comme un emboitement de souvenirs et de rêves se démultipliant les uns dans les autres, sorte de "Inception" thaï, l'humour en plus et le grand spectacle en moins. Si le film aurait pu gagner en clarté et en brièveté, poussant parfois son jeu narratif à ses dernières limites, le discours final, à la portée cathartique et révolutionnaire, reste quant à lui bien visible. Si le film est avant tout une réjouissante curiosité, il est extrèmement plaisant de découvrir un autre versant du cinéma thaï. Si des motifs (les fantômes, les rêves, le sexe, la politique...) y sont communs avec sa figure de proue international, Apichatpong, le traitement en est on ne peut plus différent, et c'est tant mieux !

Dans un meilleur monde, c'est ça la comédie méga populaire qui dépasse aisément le million d'entrées
bon, le film marche bien je crois, mais on parle bcp moins du cinéma de Fabien Gorgeart que celui des Nakache & Toledano, alors que Gorgeart, en trois films, devient l'air de rien un real avec une pate, une sensibilité et un humour qui font mouche à chaque fois. Sans en faire un grand de son temps (n'exagérons rien), il est dans le haut du panier du cinéma francais actuel

My Undesirable Friends : Part 1 - Last air in Moscow - Julia Loktev - 2025

En 1992, le passionnant Vidéogrammes d'une révolution d'Andrei Ujică et Harun Farocki s'intéressait à la chute du rideau de fer sous l'angle de la conquête par les manifestants de la station de télévision nationale roumaine. Le contre-pouvoir avait immédiatement compris l'enjeu des images et leur importance pour exister comme force politique concrète. Si "Vidéogrammes" était "la naissance d'une chaine télévisée", près de 40 ans plus tard, "My Undesirable Friends" en propose l'anti-thèse parfaite : la fermeture d'une chaine tv de contre-pouvoir dans la Russie de Poutine.

Néanmoins si Ujica & Farocki sont inspirés (et eux même penseurs) de la philosophie des techniques et des médias, ce n'est aucunement le cas de Julia Loktev. Ce serait presque l'inverse. Il n'est ici jamais question de la nature des images, de leurs régimes ou de leurs constructions mais de celles et ceux qui les font. Débutant 2 ans avant l'invasion de l'Ukraine par la Russie, et se terminant quelques jours après le début de la guerre, ce documentaire fleuve de plus de 5h, se construit comme un portrait intime d'un groupe de femmes journalistes, toutes (très) jeunes à l'exception de Anna Nemzer, sorte de mentor qui ne dit pas son nom. Si nous passons beaucoup de temps dans la régie de la chaine de télévision nous passons plus de temps encore en voiture et dans les salons et les cuisines de ces jeunes femmes, nous fêtons noël et le nouvel an avec elles, tandis que les menaces - devenant de plus en plus énorme - de leur profession finissent par interférer totalement avec leurs vies quotidiennes, rendant l'un et l'autre indémêlable. Pile de son époque, la réalisatrice est au plus près des corps, des visages et des émotions, enchainant les plans (très) courts, trouvant un style entre le journal filmé et la real-TV. C'est donc bien par l'intimité que la réalisatrice entend aborder les enjeux de pouvoir qui traversent son film.

Mes amis indésirables est ainsi avant tout un film sur le quotidien et sur la façon dont la politique s'y inscrit et s'y radicalise progressivement, d'un côté comme dans l'autre. De l'un, le pouvoir en place, dont la forme autoritaire est déjà présente quand le film s'ouvre et dont la fascisation grandissante n'avance même plus masqué. Et de l'autre la vie de ces jeunes femmes. Le plus surprenant est peut-être que ces personnes ne sont en rien des activistes radicaux, des lecteurs férus de Marx, de fin rhéteurs géopolitique. Tout au contraire, la référence culturelle revenant sans cesse est Harry Potter, les messages instantanés sont ponctués de chatons et quand la guerre éclate les premiers émois semblent aller pour la fermeture de l'Apple Store. Il n'y a d'ailleurs presque jamais ici de débat politique de fond, bien que nous comprenons de façon tout à fait limpide les idées des personnes filmées et de la chaine pour laquelle elles travaillent (contre la corruption, pour la liberté de penser, le droit à manifester, la reconnaissance des minorités sexuelles etc..). C'est par ce contre-pied, en détaillant toute la beauté d'une certaine naïveté, d'une énergie idéaliste qui en naït, d'un engagement qui se construit "à la dure" ou "de fait", que le film dépasse largement son point de départ. Et c'est pour la même raison qu'il raisonne autant avec notre époque, avec nos sociétés gangrenés par les idéaux autoritaires, par la tentation fasciste. Le film de Julia Loktev est un cas pratique de ce à quoi mène un tel système politique. Et, à la fin, c'est la vie qui perd contre le politique, quand la vie est devenue impossible et qu'il ne reste plus que la fuite. La deuxième partie à venir, qui s'intéressera à l'exil des mêmes personnages, qui continuerons, j'imagine, leur combat à distance, promet assurément de complexifier ces enjeux.

Il m'est enfin difficile de ne pas songer à une autre œuvre monumentale paru ces dernières années : Traumazone d'Adam Curtis. Le documentariste anglais a pioché dans les archives de la BBC pour dresser un portrait de la Russie de la fin de l'URSS jusqu'à la nomination de Vladimir Poutine au long d'un montage de 7h (rassurez vous : 7 épisodes d'une heure). Si ces deux films ont peu en commun intellectuellement et émotionnellement, ils placent néanmoins conjointement l'appareil médiatique au cœur de leurs constructions, ce qui est tout sauf anodin. Chacun nous permet de la sorte d'aborder avec des angles complémentaires notre connaissance d'un pays central de la politique internationale au rôle on ne peut plus problématique. Ces oeuvres se révèlent ainsi essentielles pour une compréhension de notre époque, de notre monde et de ses enjeux.

J’ai vu Mon grand et Moi, de Ryota Nakano, avec Hikari Mitsushima, Joe Odagiri ou encore Ko Shibasaki. Ce film raconte l’histoire de Riko, qui apprend le décès de son frère. Elle doit alors se charger de ses obsèques. J’ai aimé l’évolution du regard de Riko sur son frère, qui reste sans concession. Chaque personnage apporte quelque chose à l’histoire, et je n’ai pas vu les 2h défiler. Le film ne tombe jamais dans la mièvrerie, et j’ai apprécié les touches d’humour qui parsèment le récit. Le film sonne juste, et nous interroge sur les liens familiaux, et sur les rancœurs qui peuvent prendre le dessus. Le frère de Riko avait son lot de défaut, mais également un côté très attachant. Il était également intéressant de se confronter au regard sur le deuil dans la culture japonaise. On s’interroge aussi sur nos propres relations familiales, quitte à donner de légers maux de tête ! En bref, J’ai passé un bon moment devant ce film, que je recommande.

Derrière ce titre magnifique et intriguant, prononcé au détour d'une conversation par l'un des personnages, se cache ce qui est peut-être le film le moins "Durassien" de la filmographie de l'autrice. Nous avons ici les corps statiques, l'omniprésence du langage et des non-dits, les ambiances (la boite de nuit fait songer à India Songs), la complexité des existences. Mais derrière la rigueur il y a omniprésence d'humour. Beaucoup. De la dérision, des réparties, des exagérations. On en viendrait presque à se demander ce qui sépare en fait le "théâtre de l'absurde" du "Nouveau Roman", tant semble ici apparaitre des racines communes. Une blessure intime et muette, un désespoir envers l'humanité ? Tout est une question de ton et Duras se permet ici d'explorer une dimension qu'on ne lui connaissait pas (on songe à Akerman ayant elle aussi fait un détour par la comédie avec Un Divan à New-York). Ce qui a pu l'y pousser m'intrigue, tant le tragique du propos reste dominant. Peut-être est-ce parce que c'est le 3ème fois que l'autrice retravaille et réadapte son texte (tout d'abord nouvelle puis pièce de théàtre - que je n'ai ni lu ni vu) qu'elle finit par faire ressortir ces traits ? L'adaptation pour l'écran est en tout cas réussi car, malgré la langueur générale, on ne songe jamais à l'adaptation d'une pièce de théâtre, si ce n'est par l'effet maitrisé du plan final (les personnages disparaissent, la caméra se retire lentement hors de la salle par une porte).



Je me souviens avoir entendu parler de ce film lors de mon adolescence alors que je commençais à m’intéresser un peu à une culture différente, très probablement en regardant l'émission Tracks. Cette même émission citait également Jodorowsky dont j'avais pu voir un film peu de temps après (La Montagne Magique), par le hasard d'une copie restaurée ayant trainé ses guêtres jusqu'à Metz. Si j'ai des années plus tard vu d'autres films de Waters, Pink Flamingos m'avait toujours échappé et j'ai donc assisté avec curiosité à sa projection à la Cinematek de Bruxelles (en enchainement direct après Des journées entières dans les arbres - autant vous dire "même salle, deux ambiances" ). Pink Flamingos est à la fois tout ce que l'on pouvait espérer (ou craindre) et bien plus encore. Il est assez amusant de constater que son retournement total de valeur démarre dès sa structure et son histoire : nous pourrions tout à fait imaginer un film "bien-comme-il-faut" dans lequel deux familles rivales se tirent la bourre pour être "the nicest familly alive" et non comme ici "the filthiest one". 50 ans après sa réalisation, dur de savoir si ce sommet de la provoc ne finit pas d'avantage par tendre vers le "white-trash" que le queer tel que nous le connaissons aujourd'hui. Le débat n'est pas clos.



It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives - Rosa von Praunheim - 1971

Il semblerait que le cinéaste allemand le plus gay et le plus actif des 70s ne fut pas Fassbinder mais bien Rosa von Praunheim qui revendique plus de 70 films au compteur. Son premier film "It Is Not the Homosexual Who Is Perverse, But the Society in Which He Lives" fera grand bruit à l'époque, tandis que l'homosexualité était encore interdite en Allemagne. Parodiant les films éducatifs, ce moyen-métrage (une heure tout juste) suit l'arrivée d'un jeune homme à Berlin, découvrant sa sexualité et explorant les divers facettes de la vie gay, passant d'un groupe, d'une pratique, d'une classe à l'autre. En voix-off, un commentaire, souvent satirique, alterne entre sociologie, politique et philosophie pour commenter l'action et la mettre en perspective, sans toute fois éviter un aspect quelque peu daté sur certains points (certaines pratiques sexuelles, ou la transsexualité, par exemple). La dernière scène reste assurément la plus marquante, lorsqu'une discussion entre plusieurs hommes se transforme en appel à l'action politique pour la normalisation de l'existence de la communauté gay au sein de la société.